Процесс создания грамотного фильма разделяется на 3 этапа: написание сценария, съемка и монтаж. Продумав все детали этих трех этапов, можно создать обычный любительский фильм на высоком профессиональном уровне.

Прежде всего, работу над созданием фильма следует начинать со сценария. В любом фильме должна быть завязка (начало), развитие действия (основная часть) и развязка (заключение). Самое главное – очень хорошо продумать начало и не начинать свое повествование издалека (рискуя тем самым «потерять» зрителя). В основной части фильма происходят все главные события. А в развязке (завершении фильма) главный герой либо достигает поставленной перед ним цели и задачи, либо не достигает.

Наиболее ответственной частью в создании фильма является сама съемка. Нужно помнить, что снимаемые события неповторимы, поэтому необходимо стараться не допускать ошибок (чтобы в дальнейшем избежать проблем с монтажом).

Чтобы создать свой фильм на профессиональном уровне, следует научиться правильно снимать одиночные кадры, стыковать их и верно строить само повествование.

1) Основы съемки отдельных кадров.

Прежде всего, необходимо разобраться с основными приемами видеосъемки.

Общий план охватывает все место действия, в котором герои являются мелкими элементами, расположенными на общем фоне.

Крупный план выражает мимику, эмоции человека, выражение глаз и реакцию на то или иное происходящее событие. На экране умещается лишь голова главного героя и мелкие детали.

Средний план – универсальный. Он позволяет лучше разглядеть человека, его мимику и жесты, занятие в данный момент времени и костюм. Хорошо просматривается задний фон и обстановка.

Деталь – часть чего-то целого, которая несет для зрителя определенную информационную ценность.

Плавающий фокус – перевод фокуса камеры с объекта переднего плана на объект заднего плана (или объект глубины кадра), и наоборот. За счет использования принципа малой глубины резкости возникает так называемый пространственный эффект.

Панорама – это наклон или поворот камера для изменения ракурса и направления съемки. Любая панорама заканчивается полной остановкой камеры (статичным планом), иначе соседние планы будут плохо монтироваться с панорамой. Стоит отметить, что движение камеры при панорамировании должно быть без остановок и рывков, равномерным.

И, наконец, последнее основное правило видеосъемки – стабильность изображения. Во время съемки фильма или клипа камера не должна дрожать; изображение должно получаться устойчивым, без рывков. Для получения такого изображения можно воспользоваться различными устройствами – моноподами, триподами и разнообразными штативами с упором в грудь или плечо.

Если говорить элементарным языком, то «съемочный кадр» — это все то, что снято с момента нажатия кнопки «Запись» до момента нажатия кнопки «Стоп».

Самое главное правило при съемке одиночных кадров – нужно снимать только то, на что смотрел бы зритель, если бы он находился на месте камеры. Если это правило игнорировать, то риск «потерять» зрителя увеличивается в разы. Это же правило касается и времени съемки – нужно снимать какое-то событие столько, сколько смотрел бы на это зритель, находясь он на месте этого события. Нужно помнить, что у зрителя не должно возникнуть ощущение дискомфорта или неестественности событий. Камера – это глаза потенциального зрителя!

Штатив наплечный

При съемке нужно держать камеру ровно: горизонтальные в реальной жизни линии должны быть и на экране горизонтальными (то есть параллельными горизонтальным границам экрана), а вертикальные в реальности линии — строго вертикальными на экране. Камера в руках не должна «дрожать» — можно использовать штатив для камеры, подставку под локти и тому подобное.

При наружной съемке (не в помещении) не стоит

Монопод

располагать по центру линию горизонта. В зависимости от действий в кадре взгляд должен быть на расстоянии 1/3 по вертикали от верхней или нижней границы экрана. Следует отметить, что гораздо чаще используется стандартный взгляд 1/3 части от верхней границы экрана.

Не нужно слишком затягивать кадр. Чаще всего время записи одного кадра составляет от 3 до 10 секунд. И только в исключительных случаях – больше. Чем дольше длится один кадр, тем выше вероятность «потерять» зрителя. Одиночный кадр нужно снимать столько, сколько смотрел бы зритель, находясь на месте камеры. А зритель обычно не заостряет большое внимание на каком-то, пусть даже самом интересном, предмете, а переводит взгляд с одного предмета на другой.

Чем больше эмоциональность кадра, тем чаще нужно двигать камеру.

Наиболее часто употребляемые смещения камер – «слежение» и «по смыслу кадра». Первый заключается в наблюдении за кем-то движущимся, а второй – в съемке по направлению жеста, взгляда, указателя и так далее. Все другие перемещения камер используются крайне редко. Без особой нужды их затрагивать не стоит. Но если есть такая необходимость, то нужно использовать смещение по линиям горизонта, тела, по линиям проводов и так далее.

При съемке человека нужно использовать стандартные крупности планов и оставлять некоторое пространство для движения или взгляда. Причем чем быстрее движение человека, чем дальше направлен взгляд, тем больше пространство. Например, при взгляде «за горизонт» в кадре должна умещаться вытянутая по направлению взгляда рука человека.

Однако снять камерой кадр и посмотреть на него живыми человеческими глазами – это две совершенно разные вещи. Ведь экран плоский, а зрение – стереоскопическое, границы у экрана четкие, а для глаз – размытые, разные динамические диапазоны и тому подобное. Поэтому, снимая фильм, следует прибегать к некоторым хитростям.

Прежде всего, нужно научиться управлять вниманием зрителя. Известно, что чаще всего внимание зрителя притягивают движущиеся, крупные, яркие или четкие по сравнению с размытыми предметы. Необходимо сделать так, чтобы зритель уделял внимания столько, сколько нужно по задумке, идее фильма. Это можно сделать, выбирая правильный интерьер, изменяя при необходимости ракурс и так далее.

В фильме не должно быть никаких посторонних и ненужных персонажей и деталей, притягивающих к себе внимание зрителей, если они не имеют важной значимости для фильма или какого-либо эпизода. Нужно следить за фоном и убрать все лишнее с заднего плана.

Камера требует намного больше света, чем глаза. Нужно знать и использовать стандартные схемы постановки света (например, классическая схема: границы теней мягкие, тень от носа – сбоку, между верхней губой и носом, на заднем плане – свет от слабого контрового источника для отделения от фона, подсветка теней). Смешивать источники разной цветовой температуры нельзя.

Следует учитывать, что правильно подобранное освещение позволит наиболее полно передать характер сцены, выражение главных героев и окружающую их обстановку. Освещение, вместе с правильно подобранной композицией, также поможет передать на плоском экране трехмерность изображения.

Увеличить объемность изображения можно, используя множество разных приемов (например, помещение в кадр объектов на ближнем плане; съемка движущейся камерой).

2) Основы монтажа кадров.

Если под фильмом подразумевается какой-то рассказ, то, соответственно, кадр этого фильма – одно предложение. Поэтому не стоит перегружать одиночные кадры и делать их слишком длинными.

Соседние кадры для зрителя обычно взаимосвязаны по смыслу. В монтаже существует два вида переходов из одного кадра в другой – плавный и резкий.

Плавный переход – это медленное исчезновение с экрана предыдущего кадра и плавное появление следующего. Плавный переход занимает от 1 до 3 секунд. Модификаций плавного перехода достаточно много – «наложение», «растворение», «появление кадра в кадре» и так далее. При виде плавного перехода зритель успевает понять, что начинается новый кадр. Плавный переход обычно используют, если хотят разорвать взаимосвязь между соседними кадрами. Причем чем больше нужен разрыв взаимосвязи, тем длиннее переход. Однако постоянно пользоваться плавными переходами нельзя. Если сравнивать фильм с текстом, то плавный переход в фильме – это «красная» строка в тексте. Но плавный переход не подойдет для передачи динамических сцен.

Резкий переход характеризуется внезапным переходом из одного кадра в другой (без «затемнений» и «растворений»). Это самый распространенный переход между кадрами, и в тоже время наиболее сложный – ведь подсознательно зритель не понимает, что закончился один кадр и начался другой. Зритель воспринимает кадры с резкими переходами как единое целое, поэтому ставить рядом любые бессмысленные кадры нельзя. Из-за этих особенностей человеческого подсознания и появились определенные требования к кадрам с резким переходом (так называемые «правила межкадрового монтажа»).

Если не учитывать эти правила, то в фильме будет много «смысловых ошибок». Отсюда вытекает «правило восьмерки» (например, если два человека смотрят друг на друга, то взгляд одного должен быть направлен в сторону левой стороны экрана, а взгляд другого – соответственно, в сторону правой). Также нужно следить за направлением движения человека в соседних кадрах (рекомендовано не менять направление движения более, чем на 90 градусов).

Также при игнорировании данных правил глаза зрителя будут уставать, постоянно «спотыкаясь» о каждый резкий переход между кадрами. У зрителя возникнет ощущение неестественности происходящего, исчезнет ощущение причастности и вовлеченности в события на экране, возникнет ощущение внутреннего дискомфорта и отторженности от происходящего. А это неминуемо ведет к «потере» зрителя.

Чтобы этого не случилось, чтобы зритель не ощутил дискомфорта при просмотре, нужно правильно делать монтаж фильма:
Во-первых, соседние кадры фильма должны сильно отличаться по композиции друг от друга;
Во-вторых, соседние кадры не должны нервировать зрителя и вызывать в его подсознании дискомфорт и нежелание продолжать смотреть фильм.

Нужно избегать схожих по схеме рисунка и структуре кадров, а также схожих перемещений по экрану у одного главного объекта. Не стоит использовать в соседних кадрах одни и те же приемы внутрикадрового монтажа (одинаковые повороты, перемещения, действия с камерой). Необходимо менять крупность плана, показывающего в соседних кадрах какой-либо главный объект. Однако и крупность плана нужно тоже менять с умом: если изменить крупность слишком сильно, то зритель не сразу поймет, что здесь показывают, а если изменить слишком мало – возникнет ощущение, что камера неестественно резко приблизилась или удалилась от объекта.

Не следует в соседних кадрах сильно изменять освещение и фон, а также смещать главные объекты более чем на 1/3 экрана. Нужно соблюдать фазы движения в соседних кадрах.

Есть несколько простых, и в то же время нужных хитростей в монтаже соседних кадров:

I. «Перебивка» — интересный способ монтажа, используемый, чаще всего, в длинных монологах. Он используется, когда никакие другие способы монтажа кадров не подходят. Суть этого способа заключается в периодическом «переводе» акцента внимания с одного предмета на другой. Например, при длительном монологе какого-либо значимого лица переводят акцент внимания с лица на какой-нибудь другой предмет (например, значок или медаль на одежде). Это делают для того, чтобы не утомить зрителя и, тем самым, не «потерять» его. Однако этот прием можно использовать не только в монологах каких-то важных и значимых лиц, но и в свободном художественном творчестве.

II. «Естественная шторка» — распространенный переход из одного кадра в другой. Отлично смотрится при динамическом изложении событий. Суть этого приема можно показать на примере: заканчивается кадр, который изображал общий план улицы; к камере приближается фургон и загораживает весь кадр, затем он проезжает, видна спина отходящего прохожего – это уже начался новый кадр.

III. «Переход по пятнам» — тоже довольно интересный способ монтажа. В первые доли секунды подсознание зрителя анализирует представленное на экране изображение по «светло-цветовым пятнам». И даже если сами кадры по композиции и смыслу просто кардинально отличаются друг от друга, но похожи по «цветовым пятнам» — подсознание зрителя будет легко воспринимать эти переходы и не будет «спотыкаться» о них.

В качестве примера можно разобрать программу для видеомонтажа — Pinnacle Studio 11. К этой версии относятся редакторы Studio, Studio Ultimate и Studio Plus. С помощью этой программы можно записывать видео очень высокой четкости на обычные DVD-диски, а также воспроизводить их в HD DVD проигрывателях. В эту версию встроена функция, с помощью которой появилась возможность размещать видеофильмы, созданные в этой программе, в Интернете.

Данная программа содержит две видеодорожки – это позволяет применить эффект «картинка в картинке». Функции записи и обработки вполне доступны для начинающих, так как они выполнены очень просто. Интерфейс программы очень удобный и обеспечивает доступ исключительно к самым важным и необходимым функциям.

В целом, программы Pinnacle Studio 11, также как и Pinnacle Studio Plus (более старая версия) отлично подходят для начинающих: в них вполне сможет разобраться любой новичок. К тому же продукт Pinnacle обеспечивает довольно большое количество разнообразных возможностей. С помощью специальной утилиты можно редактировать имеющиеся шаблоны и создавать собственные меню.

3) Основы повествования.

Самое главное в написании сценария – в фильме все должно быть понятно, четко и ясно. У зрителя не должно возникать никаких вопросов.

Весь фильм должен подразделяться по смыслу на три части – «завязка», «основные действия и события» и «заключение». Каждая из этих частей, в свою очередь, делится еще на три части. Всего получается девять смысловых частей. «Напряжение» на протяжении всего фильма должно возрастать три раза – первый максимум должен произойти на третьем этапе. После третьего этапа «напряжение» должно резко упасть, а затем постоянно возрастать и к шестому этапу должно снова возрасти до предела (второй максимум). После шестого этапа вновь резко спадает и к девятому этапу достигает наивысшего пика (третий максимум). Причем третий максимум – самый большой («кульминация»). Однако стоит отметить, что это лишь пример классической схемы развития сюжета. Всего разных сюжетных схем намного больше.

При просмотре фильма зрителю должно быть легко. Лучше всего, если зритель будет неосознанно представлять себя (или кого-то из своих знакомых и близких) одним из главных героев. Хорошо, если сама суть проблемы фильма будет в той или иной мере относиться к зрителю. Причем стоит различать внешнее сходство и внешнюю похожесть событий или героев от самой сути проблемы.

Нужно понимать, для кого фильм будет снят. Если хочется, чтобы фильм был рассчитан на какую-то определенную аудиторию, то и снимать его нужно для этой аудитории. Фильм должен понравиться тем, для кого он и был снят. Если же фильм будет сниматься так, как хочется нам, а не аудитории, то не стоит впоследствии обижаться на то, что этот фильм не популярен. Поэтому перед созданием фильма необходимо определиться: фильм будет снят для своей личной души или в интересах зрителей, для решения какой-то задачи. Если для решения задачи – то нужно все хорошо продумывать, а любые творческие порывы использовать в рамках этой главной задачи.

Popularity: 3% [?]

Еще по теме:

• Включаем жесты на iOS правильно
• Windows 7 на iPad
• iPad и jailbreak
• Перфекционизм
• Гармония и диссонанс

Теги:Советы-секреты